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Claude Chabrol y el cine

Revisando el texto: “Cómo se hace una película” de Claude Chabrol” 

Chabrol tiene una extensa filmografía que nace en la rebeldía de la Nouvelle Vague y traspasa el llamado cine moderno y contemporáneo.

La Nouvelle Vague consistió en una vertiente de cine hecho por jóvenes, que trataba, al menos en un principio, sobre la visión que tenían del mundo.

François Truffaut junto con Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Eric Rohmer, Jacques Rivette, formaron una verdadera pandilla de cineastas cómplices que abandonaron su rol de críticos de cine en la legendaria revista Cahiers du Cinéma y tomaron por asalto la industria cinematográfica en Francia.

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Claude Chabrol fue el primero de estos “pandilleros del cine” que hizo una película: En 1958 rueda «El Bello Sergio» realizada artesanalmente, sin estrellas y muy barata.”El Bello Sergio” se convierte en el manifiesto de la Nouvelle Vague. En el mismo año rueda su segunda película «Los Primos», la cual gana el Oso de Oro de Berlín en 1959. Y desde ese momento no se detuvo en la idea de hacer del cine su vida, así como de buscar las mejores maneras de mostrar su visión del mundo.

 

En 2003 publicó un pequeño libro llamado “Cómo se hace una película”, basado en una entrevista realizada por Francois Guérif. El libro, más que un estudio o un libro de texto, se convierte en una particular forma de expresar sus sensaciones sobre el cine.

 

 

Decidí extraer algunos elementos del texto, buscar algunas escenas y compartirlas:

 

¿Porqué hacer una película?

“Hoy en día el cine goza de un prestigio bastante chocante. Nuestros contemporáneos no quieren hacer cine, quieren estar en el cine, lo que no es exactamente igual. Quienes quieren “estar en el cine” no sienten la verdadera necesidad de hacer una película. No lo necesitan como el aire que respiran. Cuando empecé y durante mucho tiempo, mis camaradas de la Nouvelle Vague y yo no podíamos hacer otra cosa. Solo pensábamos en el cine.”

 

Existen dos clases de cineastas

“Los narradores y los poetas.

Los narradores son los que quieren contar historias, no tienen en la cabeza una visión particular del mundo, no creen tener que transmitir menajes específicos sino que, por el contrario, quieren dar una forma especialmente atractiva a historias fabricadas por otros. Están casi obligados a interesarse en la forma.

Los poetas son los que tienen una “visión del mundo” y tratan de expresarla. A veces esos “Poetas” (Uso esta palabra porque no encontré otra mejor) poseen igualmente aptitudes narrativas, lo que resulta formidable.

Podemos decir a priori que el en el cine el poeta es más noble que el narrador. Pero al mismo tiempo las peores películas de la historia del cine están hechas por poetas, pues buena parte de los elementos expresivos (como la dramaturgia) se les suele escapar. Con frecuencia, los poetas no tienen una visión del mundo sino ideas sobre cosas, que no es lo mismo.”

 

La noción de puesta en escena

“Hay necesariamente un elemento dramático que se relaciona con el teatro: en el cine sonoro es el guión, los diálogos y los interpretes. Ese “teatro” está transformado al mismo tiempo que ciertas especificidades. Puede intervenir igualmente una noción pictórica, que no se da en el teatro, y que puede aproximarse a la pintura.

El ritmo, desde luego, es importante. Existe una idea musical, asociada a los sonidos y a la palabra, pero no obligatoriamente, pues algunas películas mudas tienen ritmo musical: hay música en las imágenes mudas.

Podemos ir todavía más lejos y evocar lo que llamaríamos “arquitectura de las cosas”. Pues el film como objeto debe ser armonioso. El caso es que una película está compuesta por determinado número de secuencias. Es un poco como una casa: las diferentes habitaciones son las secuencias, y la casa la constituye el conjunto.

Todos esos elementos deben unirse de alguna manera. Algunas películas necesitan ser más rítmicas que pictóricas, otras más plásticas que arquitectónicas; en todos los films habrá algo de cada una de esas características.”

 

Una secuencia completa de “El Infierno” (1993), donde se plasma a la perfección su idea de la puesta en escena al servicio de la narración: un hombre, loco por los celos, persigue a su esposa hasta que ella lo enfrenta:

“Algunos films, por ejemplo, no tienen ninguna calidad plástica; entonces deben compensar esa carencia con una intensidad dramática notable.

Uno de los grandes secretos de la puesta en escena radica en saber lo que se va a hacer. Me fascina la gente que improvisa. Algunos improvisan incluso los diálogos, aun cuando éstos formen parte de los elementos de los que podemos estar seguros. Me asombra transformar algo seguro en aleatorio dentro de un proceso donde predomina el azar. Me parece que la idea consiste en intentar suprimir el azar. Pues bien, no del todo. Algunos se apañan muy bien con los imprevistos.”

 

Reflexión o sensación

“Hay dos maneras de ver una película: como una obra de reflexión o como una obra de sensación.

Muchas películas no nos llevan a la reflexión y sólo buscan sensaciones. Hoy está de moda el cine de sensaciones. Lo que hace que los directores se esfuercen menos y retrasen el momento en que se deben implicar en el film.

Un ejemplo:

Tras muchas vacilaciones, un hombre acaba por matar a su infiel esposa aunque ella no le ha engañado. Estamos ante una situación bastante complicada, entro en el cine reflexivo. La sensación que me causa el estrangulamiento de la mujer será mucho más fuerte según aumente la intensidad del proceso reflexivo llevado acabo.

Por el contrario, hay películas en las que el director puede decirse: “La reflexión me trae sin cuidado. Me interesa la cantidad de cacharros que se destripen y los efectos. Rodaré la mayor cantidad de planos en todos los sentidos y desde todos los ángulos, y ya veré luego lo que hago en el montaje.” Este realizador se ha quedado en la mera sensación.”

 

Aquí una enorme escena de “La Ceremonia” de 1995 donde Claude Chabrol pone en manifiesto su idea de la Reflexión para lograr la sensación:

La cámara y el encuadre

“El problema esencial del encuadre es el siguiente: ¿Abarca el encuadre toda la acción o una parte de la misma? Estamos antes el problema fundamenta. Para Fritz Lang, por ejemplo, el encuadre encierra la totalidad del mundo, en un momento determinado. Esa es la razón por la que hay en sus películas movimientos de cámara que me embelesa., me explico: centrémonos en un plano muy sencillo, con tres personajes sentados en una mesa; uno se levanta y se va; la cámara avanza entonces para reducir el encuadre, que abarca a los dos restantes, el tercero ya no tiene ninguna importancia. Su mundo se ha reducido a esas dos personas. Estamos ante los encuadres cerrados.

Tenemos también los encuadres abiertos (Sydney Lumet los hace muy bien): el espectador sabe que, además de lo que ve en el encuadre, hay otras cosas que se desarrollan fuera, y de vez en cuando la cámara va a buscarlas; las encuentra a veces; en otras no están allí. Los encuadres abiertos son difíciles de manejar y tienen un defecto: el riesgo de diluir la intensidad dramática. Pero cuando el tema es muy fuerte, pueden funcionar.”

 

En esta escena de “Le Boucher” (1969) Chabrol logra que la relación del encuadre cerrado y abierto amplié la reflexión y sensación de su historia. Un gran trabajo de sus operadores de cámara y sonido:

¿Qué debo tener listo para rodar?

  • “Considerar que lo que está listo es la idea pero no la forma; la idea de cada plano, pero no la manera de rodarlos. Odio mecanizar. Detesto los storyboards, llevan obligadamente a mecanizarlo todo.
  • Permanecer abierto a todo lo que venga del exterior, pues si la idea de la película es bastante fuerte, resistirá a todos los elementos exteriores. Además, estos serán bienvenidos; incluso serán con frecuencia enriquecedores.”

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Dirección de actores

“¿Se dirige un actor a sí mismo? Depende. Hay formidables directores de actores, que multiplican las repeticiones y dan indicaciones muy precisas. Es un sistema que puede funcionar. (George Cukor, por ejemplo)

Mi sistema es distinto. Los actores son mejores cuando por sí mismos encuentran lo que deben hacer. Entonces intentan agradarnos y muestran hasta qué punto son hábiles.

De hecho intentan darte exactamente lo que le has explicado. Por mi parte, no debo equivocarme. Es necesario que mi explicación no vaya a una vía muerta, pues ya no se podrá regresar con el actor.

La mayoría de buenos actores poseen una técnica. Hay que cuidar bien la relación que mantiene contigo. Es inútil ponerlos en tu contra. La relación con los actores siempre es muy importante en el momento de hacer una película. Yo prefiero los procedimientos suaves. Otros realizadores, y entre ellos los mejores, solo pueden vivir en estado de tensión, total o parcial, con los actores.

Es terrible reconocer que el cine carece de reglas generales. No hay parámetros. Es peor que la meteorología: no se puede prever el tiempo exacto un segundo antes. Simplemente, podemos acercarnos a la verdad.”

 

Aunque el francés y sin subtitulo alguno, los actores y el trabajo de puesta en escena de Chabrol es tremendo: “Al Anochecer” (1971):

“Es evidente que si quiere hacerse una película basada en la pura sensación, hay que contar enormemente con lo afectivo: si ruedas una escena centrada en el terror, debes poner a los actores en un estado de ligera inseguridad, de lo contrario se encontraran demasiado seguros y lejos del grito. Será mejor si, al revés, es el grito lo que les reafirma en la sensación que les embarga, ya que trabajas con las sensaciones.”

 

Esto último ocurre en “Alice o la última fuga” (1977):

El Montajista

“Por lo general ruedo únicamente lo que el montador necesita, algo que, sin embargo, no les facilita la tarea, pues no pueden elegir entre distintas opciones. Solo tienen una. E incluso esa opción es frágil en extremo, pues cada imagen cuenta. Los montadores capaces de trabajar de manera tan precisa son cada vez más difíciles de encontrar.”

Tráiler de “El Infierno” (1993):

La Música

“Es un verdadero quebradero de cabeza. Pienso que como un film debe ser un poco musical en sí mismo, no es suficiente una música que se limite a subrayar el ritmo de la película.

¿Qué papel debe desempeñar la música en una película? Tras madurar la respuesta, diría que su función consiste en recordar al espectador que lo que ve solo es una parte de la realidad que se le presenta. Por ejemplo, poner música a un momento en el que no pasa nada, pero donde debe desatarse una situación, puede ayudar al desarrollo de la misma con solo introducir algunas notas.

Mi propuesta consiste en pedirle al compositor que lea el guión, y que escriba la música que le inspire la atmósfera del mismo. No deseo que el músico escriba para cada plano. Le pido que escriba fragmentos de distinta duración, más de dos o tres de extensión variable. Esto hace que pueda tener libertad absoluta de colocar la música como mejor me plazca, pues ya en la música está la atmósfera del film.

No creo que la música esté para dar ritmo al film, esa es la trampa. Todas las tentativas de poner ritmo a las escenas a través de la música están condenadas al fracaso si las escenas carecen en sí mismas de ritmo.”

 

A modo de conclusión

“A quien realice películas y no comprenda que el tiempo de rodaje es el tiempo del gozo, no debe seguir haciendo cine. Algunos directores dicen: “He terminado la fase previa de la película. Solo me queda rodarla”. En cierta manera, es verdad. Pero el rodaje, debe ser, la verdadera felicidad.”

 

Sus películas entre el 68 y el 73, pero recordemos que murió en 2010 con más de 60 películas en su filmografía:

Este es el libro del que extraje algunos apartes:

 9788420656854

 

Para finalizar les comparto una entrevista (en Inglés) para The-Talks, titulada sin miedo: “No hay nada original en mi películas”. Aquí para leer completa la entrevista

Aquí una de las respuestas:

Pregunta The-Talks: Pero su trabajo a menudo parece hacer referencia directamente a su propia vida. ¿No es su trabajo un tanto autobiográfica?

Claude Chabrol: “No estoy escribiendo una autobiografía, mis películas tienen un enfoque diferente: me tomo los cuentos de mi vida y de las vidas de las personas que están cerca de mí sólo para hacer lo contrario de una autobiografía: para mostrar los elementos universales que pueden ser compartidos por otras personas. El que le gusta la autobiografía quiere mostrar su originalidad. Para mí es todo lo contrario. No hay nada original en mis películas. Es algo que puede ser compartido por muchas personas.”

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Fue un placer compartir estos fragmentos del libro de Claude Chabrol, un director prolijo repleto de cine para todos los gustos, con una particular forma de ver el mundo y de hacerlo caber en sus películas.

Finalmente un vídeo homenaje a Claude Chabrol:

Aunque su filmografía es ENORME, acá pongo algunos títulos por donde se puede empezar a revisar a Chabrol:

“El Bello Sergio” (1958), “Los Primos” (1958), “Una Doble Vida” (1959), “Landru” (1962), “La Mujer Infiel” (1968), “El Carnicero” (1970), “Doctor Casanova” (1972), “Nada” (1974), “Alicia o la última fuga” (1977), “Los fantasmas de Chapalier” (1982), “Betty” (1992), “La Ceremonia” (1995), “No va más” (1997), “Borrachera de poder” (2006).

 

Alexander Giraldo
@AlexGiraldo180

 

Por si te interesa, he armado otros post sobre temas cinematográficos:

 

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Néstor Almendros: La dirección de fotografía en “Days of Heaven”

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